Էնդի Ուորհոլի ապուրը կարող է նկարներ. Ինչ են նշանակում և ինչու են դրանք սենսացիա դարձել

Էնդի Ուորհոլի ապուրը կարող է նկարներ. Ինչ են նշանակում և ինչու են դրանք սենսացիա դարձել



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

1962 թվականի հուլիսի 9-ին Էնդի Ուորհոլ անունով քիչ հայտնի նկարիչը բացեց փոքրիկ ցուցադրություն Լոս Անջելեսի Ferus պատկերասրահում: Նրա գլուխը քորելու թեման ՝ Քեմփբելի ապուրը: Նրա 32 նկարներից յուրաքանչյուրը տարբեր համեր էր հաղորդում շարքում ՝ լոլիկից մինչև պղպեղ և նեխուրի սերուցք:

Ուորհոլի համար, որը դեռևս ոչ 34 տարեկան էր, դա նրա առաջին անհատական ​​նկարչական ցուցահանդեսն էր: Այդ ժամանակ նա գրեթե մեկ տասնամյակ էր անցկացրել որպես բարձրակարգ կոմերցիոն արտիստ ՝ աշխատելով բարձրակարգ գովազդային հաճախորդների հետ, ինչպիսիք են Tiffany & Co- ն և Dior- ը: Բայց նա վճռել էր դառնալ «իսկական» նկարիչ ՝ ճանաչված թանգարանների և քննադատների կողմից: Նրա գաղտնի զենքը: Առաջացող «փոփ» արվեստի ոճը:

Ի՞նչ կարող էին նշանակել ապուրը նկարները:

Փոփը գլխիվայր շրջեց ավանդական արվեստը: Դիմանկարների, բնապատկերների, մարտերի տեսարանների կամ այլ թեմաների փոխարեն, որոնք փորձագետները համարում էին «արվեստ», այնպիսի արվեստագետներ, ինչպիսիք են Ուորհոլը, նկարներ էին վերցնում գովազդից, կոմիքսներից և հանրաճանաչ մշակույթի այլ մասերից ՝ փոփ -արվեստի «փոփ» -ից: Նրանք օգտագործում էին հումորը և հեգնանքը `մեկնաբանելու, թե ինչպես է զանգվածային արտադրությունն ու սպառողականությունը գերակշռել ամերիկյան կյանքի և մշակույթի այդքան մեծ մասում: 1950 -ականների աբստրակտ արվեստագետները, ինչպես Jեքսոն Պոլլոկը, կարող էին իրենց փառաբանել որպես ստեղծագործող, անհատապաշտ հանճարներ, սակայն 1960 -ականների փոփ արտիստները հակառակ մոտեցումն էին որդեգրել: Նրանք փորձում էին հարթել կամ վերացնել սեփական արվեստի ստեղծման գործընթացների բոլոր հետքերը, ինչպես վրձինների հարվածները, այնպես որ նրանց աշխատանքը գրեթե մեխանիկական էր թվում, ինչպես զանգվածաբար արտադրվող առարկան:

Գրեթե. «Քեմփբելի ապուրը» կտավները պատրաստելու համար Ուորհոլը ապակե տարայի պատկերը դրեց նրա դատարկ կտավի վրա, հետագծեց ուրվագիծը և մանրամասները, այնուհետև այն խնամքով լցրեց ՝ օգտագործելով հնաոճ վրձիններ և ներկ: Հետևողականության համար նա ձեռքի կնիքով օգտագործեց յուրաքանչյուր պիտակի ներքևի եզրին փխրուն դե-լիզի նախշը, բայց միշտ չէ, որ այն ճիշտ է հասկացել: Փոքր դետալները `կարմիր գույնի փոքր շողերը Տոմատի ապուրի նկարի վրա, անհավասարաչափ կիրառվող fleur-de-lys կնիքը ուրիշների վրա` դավաճանում էին նկարների ձեռագործ ծագմանը: Օգտագործելով կերպարվեստի տեխնիկան ՝ ամենօրյա արտադրված օբյեկտը պատկերելու համար, Ուորհոլը էական հակասություն է արձանագրել փոփ -արվեստում: Չնայած դրանք ենթադրվում էր, որ մեխանիկորեն արված են, բայց յուրաքանչյուր նկար մի փոքր այլ էր, և ոչ միայն պիտակի համը:

Կարդալ ավելին. Էնդի Ուորհոլին նկարահանել է Վալերի Սոլանասը: Այն սպանեց նրան 19 տարի անց

Բայց կա մեկ ընդհանրություն բոլոր 32 նկարների միջև: Յուրաքանչյուր բանկայի պիտակի կենտրոնում բարդ մեդալիոնը մանրամասնելու փոխարեն, որը ներկայացնում է «գերազանցության ոսկե մեդալը», որը Քեմփբելի ապուրը նվաճեց 1900 թվականի Փարիզի ցուցահանդեսում, Ուորհոլը փոխարինեց պարզ ոսկե շրջանակով: «Արդյո՞ք դա պարզապես այն պատճառով է, որ այլ ներկեր լավ չեն կպչում ոսկու վրա: Որովհետև մեդալները ճիշտ ստանալը շատ աշխատանք կպահանջի՞ և ամեն դեպքում գուցե երբեք լավ տեսք չունենա »: խորհեց Ուորհոլի կենսագիր Բլեյք Գոփնիկի մասին: «Արդյո՞ք նրան դուր եկավ ոսկե շրջանակի գրաֆիկական դակիչը»:

Գրաֆիկական դակիչ - և կարոտի շունչ - կարող են լինել երկու պատճառ, որ Ուորհոլը ընտրեց Քեմփբելի ապրանքային շարքը որպես իր փոփ պատկերակ: Դասական դիզայնի դիզայնը քիչ էր փոխվել իր 20-րդ դարի դեբյուտից ի վեր, ներառյալ տնային, հպանցիկ «Քեմփբելի» սցենարը, որը, ըստ ընկերության արխիվագետի, շատ նման էր հիմնադիր Josephոզեֆ Քեմփբելի ստորագրությանը: Իսկ ինքը ՝ Ուորհոլը, մեծացել էր Քեմփբելի ապուրով: «Ես խմում էի այն», - ասաց նա: «20 տարի շարունակ ամեն օր նույն ճաշն էի ունենում»:

ԴԻՏԵՔ. The Food That Builder America- ի ամբողջական դրվագներն այժմ առցանց են:

Ինչպե՞ս կարող էին ապուրն առաջին անգամ նկարներ ընդունվել:

Երբ 1962 թվականին բացվեց Ուորհոլի շոուն, Փոփը դեռ նոր էր սկսում: Մարդիկ գաղափար անգամ չունեին, թե ինչ անել արվեստից, որն այդքան տարբերվում էր այն ամենից, ինչ ենթադրվում էր, որ արվեստը պետք է լինի:

Առաջին հերթին, Ferus Gallery- ի սեփականատերերից մեկը ՝ Իրվինգ Բլումը, նախընտրեց նկարները ցուցադրել պատկերասրահի երկայնքով ձգվող նեղ դարակների վրա ՝ ի տարբերություն սուպերմարկետի միջանցքի: «Պահարանները նստում են դարակների վրա», - ավելի ուշ նա ասաց իր տեղադրման մասին: "Ինչու ոչ?"

Բլումը և Ուորհոլը հույս ունեին, որ շոուն մեծ աղմուկ չբարձրացրեց: Իրականում, թե՛ հանրության, թե՛ արվեստի քննադատների կողմից եղած այդ փոքր արձագանքը կարող էր կոշտ լինել: «Այս երիտասարդ« նկարիչը »կամ փափկամիտ հիմար է, կամ կարծր շառլատան»,-գրել է քննադատներից մեկը: Մուլտֆիլմ մեջ Los Angeles Times լամպոնով հարվածել են նկարներին և նրանց ենթադրյալ դիտողներին: «Անկեղծ ասած, ծնեբեկի սերուցքն ինձ համար ոչինչ չի անում», - ասում է արվեստասերներից մեկը ՝ կանգնելով պատկերասրահում: «Բայց հավի արիշտայի սարսափելի ուժգնությունը ինձ իսկական enենի զգացում է հաղորդում»: Ferus պատկերասրահից փողոցում գտնվող արվեստի գործարքառուներից մեկն ավելի կծում էր: Նա իր պատուհանում դասավորեց Քեմփբելի ապուրի իսկական բանկաները, որի վրա գրված էր ՝ «Մի՛ մոլորվեք: Ստացեք բնօրինակը: Մեր ցածր գինը `երկուսը 33 սենթով»:

Չնայած ամեն ինչին, Բլումը կարողացավ վաճառել հինգ նկար ՝ հիմնականում ընկերներին, այդ թվում ՝ դերասան Դենիս Հոպերին: Բայց նույնիսկ շոուի փակվելուց առաջ նա կտրուկ դեմք արեց: Հասկանալով, որ նկարներն ամենալավն են աշխատել որպես ամբողջական հավաքածու, Բլումը հետ է գնել իր վաճառածները: Նա համաձայնել է Ուորհոլին վճարել 1000 դոլար բոլոր 32 կտավների համար, որոնք վճարվել են 10 ամսվա ընթացքում: Ուորհոլը ոգևորված էր. Նա միշտ մտածում էր «Քեմփբելի ապուրի բանկաները» որպես նկարահանման հրապարակ: Ինչպես արտիստի, այնպես էլ դիլերի համար որոշումը «խորամանկ» քայլ էր, որը մեծ ճանապարհով կվճարեր ճանապարհին:

ԴԻՏԵՔ. The Food That Builder America- ի 1 -ին եթերաշրջանը առանց այժմ մուտք գործելու:

Ինչու՞ էին նկարները նման սենսացիա դարձել:

Երբ հասարակությունը և քննադատները հաղթահարեցին ցնցումը, նրանք տաքացան մինչև Ուորհոլի ապուրները: Մեկ է ՝ նրանք արվեստը զվարճացրին: Որքա՞ն դժվար կարող էր լինել նկարը հասկանալը, երբ բնօրինակը, հավանաբար, ձեր խոհանոցի դարակում էր: Քննադատները սկսեցին տեսնել խորամանկ, հեգնական հումորը Ուորհոլի շոտլանդական արգանակի և հավի գամբոյի «դիմանկարներում»: Եվ Բլումի որոշումը ՝ նկարները միասին պահել, ավելի մեծացրեց նրանց ազդեցությունը:

Ferus պատկերասրահում ցուցադրությունը շրջադարձային իրադարձություն դարձավ Ուորհոլի կարիերայում: «Քեմփբելի ապուրի բանկաները» հետո Ուորհոլը նկարչությունից անցավ մետաքսե տպագրության, գործընթաց, որն ավելի մեխանիկական տեսք տվեց և թույլ տվեց ստեղծել մեկ ստեղծագործության բազմաթիվ տարբերակներ: Նրա հեղինակությունը շարունակում էր բարձրանալ: Մինչև 1964 թ., Բլումի հավաքածուի ոչ մեկ ապուրի համար նախատեսված գինը հասել էր մինչև 1,500 դոլարի, իսկ Նյու Յորքի սոցիալիստները թղթե զգեստներ էին հագել ապուրի տպիչով, որը պատրաստել էր ինքը ՝ Ուորհոլը, պատկերասրահի բացման համար:

Քեմփբելի ապուրներն ինքնին երկար չանցան ՝ միանալով զվարճանքին: 1960-ականների վերջերին ընկերությունը թռավ թղթե զգեստների այն ժամանակվա հանրաճանաչ նորաձևության վրա ՝ դուրս գալով «Ապուրի զգեստ», որը փոքր թիվ էր, որը ծածկված էր Ուորհոլի ապուրների պիտակներում: Յուրաքանչյուր զգեստի ներքևում երեք ոսկե ժապավեն կար, այնպես որ կրողը կարող էր իր զգեստը պոկել իդեալական երկարության ՝ առանց ապուրի նախշը կտրելու: Գինը ՝ $ 1 և երկու Campbell’s Soup պիտակներ:

ԿԱՐԴԱԼ ԱՎԵԼԻՆ. Ինը ամենահավաքվող դպրոցական ճաշի տուփերից, 1935 -ից մինչ այժմ

Այսօր Ուորհոլի ապուրները մնում են փոփ-մշակույթի պատկերակ ՝ վերածվելով ամեն ինչի ՝ ափսեներից և բաժակներից մինչև վզնոցներ, շապիկներ, սերֆինգի տախտակներ և սքեյթբորդի տախտակամածներ: Ամենաազդեցիկ պատկերներից մեկը վերաբերում էր հենց Ուորհոլին `1969 թ. Մայիս ամսվա շապիկը Esquire ամսագիրը ցույց է տվել, որ նա խեղդվում է Քեմփբելի տոմատի ապուրի տարայի մեջ:

Ի վերջո, Ուորհոլի ապուրները ճանաչվեցին որպես թանգարան արժանի արվեստ, ոչ պակաս, քան Museumամանակակից արվեստի թանգարանը: 1996 թվականին թանգարանը Իրվինգ Բլումից 32 նկար է գնել ավելի քան 15 միլիոն դոլարով, ինչը 1962 թվականին նրա ներդրած 1000 դոլարի անհավանական վերադարձ է: Նույնիսկ «Ապուրի զգեստը» դասական է հայտարարված: 1995 -ին ՝ նկարները MoMA- ին փոխանցելուց մեկ տարի առաջ, այն դարձավ Մետրոպոլիտեն արվեստի թանգարանի հավաքածուի մի մասը:


Էնդի Ուորհոլը ստեղծեց մի շարք նկարներ, որոնք հայտնի են որպես իր 'Piss Paintings '

«Էնդի Ուորհոլի Օքսիդացում նկարներ, թերևս ավելին, քան նրա ցանկացած շարքը ստեղծագործությունմարմնավորում են ցնցող պարադոքս. դրանք միանգամից գեղագիտական ​​հարուստ են և զվարթ կերպով անօրենական », - ասված է նկարագրության մեջ: Օքսիդացումներ բարձրակարգ աճուրդի տան կայքում Christie's. Ըստ կայքի ՝ նկարներից մեկը, որի վրա պատկերված է պղնձե ֆոն, ընդհատված կանաչ բծերով, վաճառվել է գրեթե 1,9 միլիոն դոլարով դեռ 2008 թվականին:

«Նրա մակերեսը զգայական հաճույք է պատճառում իր պղնձաձև փայլով, և նրա կազմը կենդանանում է նրբագեղ շաղ տալով, որը արտաքուստ արտանետվում է արտաքին տեսքով», - շարունակվում է աշխատանքի Christie's- ի նկարագրությունը: «Այդուհանդերձ, նկարչի նման հարուստ աբստրակցիայի հասնելու Ուորհոլի մեթոդը տխրահռչակ հիմք էր ՝ Ուորհոլի և ընկերության արտադրանքը, որը միզում էր պղնձով պատված կտավի վրա»:

Իր 1989 թ. Գրքում Էնդի Ուորհոլի օրագրերը, Ուորհոլը բացատրեց, որ իր օգնականը ՝ Ռոնի Կատրոնը, իդեալական թեկնածուն էր մարմնական հեղուկին նպաստելու համար: «Նա մեծ քանակությամբ վիտամին B է ընդունում, ուստի կտավը իսկապես գեղեցիկ գույն է ստանում, երբ դա իր փսխումն է», - գրել է նկարիչը:

Ինքը ՝ Կուտրոնեն, հիշեց Էնդի Ուորհոլ. Ուշ աշխատանք (Christie's- ի միջոցով) - դա գեղարվեստական ​​գործընթացն է Օքսիդացումներ «դարձավ գրեթե մի տեսակ ներկայացում»: Նա ավելացրեց. «Ստուդիան կդառնա զուգարանի նման, հսկա միզաքար»:


Էնդի Ուորհոլի փոփ-արվեստի ոճը (c. 1959-73)

ՆՇՈՒՄ:
Էնդի Ուորհոլն այժմ համարվում է քսաներորդ դարի մեծագույն հետմոդեռնիստական ​​արվեստագետներից մեկը: Ֆրենսիս Բեկոնի հետ միասին, նրա աշխատանքները դասվում են աշխարհի ամենաթանկարժեք նկարների թոփ 10 -ի շարքին, և նրա ներդրումը ամերիկյան արվեստում չի կարող գերագնահատվել: Որպես հայտնի արվեստագետ Փոփ արվեստ շարժումը, նա ՝ նկարիչ Ռոյ Լիխտենշտեյնի, քանդակագործ Կլաես Օլդենբուրգի և այլոց հետ միասին, վերաիմաստավորեց 1960-70 -ականների ժամանակակից արվեստը: Նրա մետաքսե էկրան դիմանկարը աշխուժացրեց դիմանկարային արվեստի ժանրը ՝ նրան դարձնելով 20 -րդ դարի ամենանորարար դիմանկարային նկարիչներից մեկը:

Լիզ Թեյլոր (1962) Մետաքսե էկրանով դիմանկար:
Մեկական և բազմակի շարքից
Էնդի Ուորհոլի պատկերապատկերները
կինոյի աստղը: Այս աշխատանքները դասվում են
դիմանկարների ամենամեծ նկարների շարքում
20 -րդ դարի:

Green Car Crash (1963):
Ուորհոլի աղետի նկարներից մեկը,
հիմնված վթարի ոստիկանության լուսանկարների վրա
տեսարանի զոհեր. Հիմա աշխարհի մեկն է
20 ամենաթանկ նկարները:

CONԱՄԱՆԱԿԱՎՈՐ ՆԿԱՐՈԹՅՈՆ
Նման այլ նկարների համար
արտադրված Էնդի Ուորհոլի կողմից, տես.
20-րդ դարի մեծագույն նկարներ:

MOամանակակից նկարիչներ
Ավելի շատ նման արվեստագետների համար
Էնդի Ուորհոլ, տես.
Modernամանակակից նկարիչներ:

-Ի ոգեւորությունը Էնդի Ուորհոլ հեռուստատեսության, հասարակության թերթերի սյուների և երկրպագուների ամսագրերի գեղագիտության համար լիովին հակասում էին պայքարող ավանգարդիստ նկարչի եվրոպական մոդելին, որին հետևել էին վերացական էքսպրեսիոնիստները: Ուորհոլը պահանջում էր հարստություն և համբավ, և նա, ով ուներ դրանք, գրավիչ էր համարում: Բացի այդ, նրա «quotlipstick-and-peroxide» պալիտրա է, ինչպես նշել է Ադամ Գոփնիկը (New Yorker, 10 ապրիլի, 1989 թ.), Եվ բոլորովին բնօրինակ գույնի զգացում, որը ամերիկյան բոլոր նախորդ ներկապնակներին դարձնում է եվրոպական: & laquo; Ուորհոլի մերժումը ցանկացածի ինքնատիպությունը սահմանեց նրա գեղարվեստական ​​ինքնությունը, և նրա նկարների թարմ տեսքը `օգտագործելով կոմերցիոն արվեստի վերջին տեխնիկան, վավերացրեց այն:

Ուորհոլի յուրահատուկ հմտության մի մասն այն էր, որ նա ճանաչում էր, որ մարդը կարող է ավելի արդյունավետ հաղորդակցվել mediaԼՄ -ների միջոցով, քան արվեստի օբյեկտը, և նա փորձեց իր գոյությունը սահմանել ամբողջությամբ վերարտադրելի պատկերների մակերեսային հարթության վրա: 1968 թվականին Ստոկհոլմում գտնվող Moderna Museet ցուցահանդեսի իր կատալոգում նա գրել է. & Quot Ուրիշ ոչինչ չկա: & quot . Նա ցույց տվեց, որ ամբողջ համբավը հավասար է և հիմնականում անիմաստ է անընդհատ փոփոխվող պատկերների աշխարհում, որտեղ իր սեփական հանրային կերպարը կարող էր անդիմադրելիորեն դյութիչ լինել, սակայն դրա մանրությունը նույնպես թողեց անհանգստացնող հուզական դատարկություն:

Նշում. Էստրադայի այլ արտիստներ `Ալեքս Կաց (ծն. 1927), Ռեյ Johnsonոնսոն (1927-95), Թոմ Վեսելման (ծն. 1931), Rեյմս Ռոզենկվիստ (ծն. 1933), Jimիմ Դայն (ծն. 1935) և Էդ Ռուշա ( բ. 1937):

Ուորհոլը ծնվել է Պիտսբուրգի մոտակայքում 1928 թվականին, բյուզանդա-կաթոլիկ բանվոր դասակարգի սլովակ ներգաղթյալների ընտանիքում: 1949 թվականին Carnegie Tech- ից գրաֆիկական դիզայնի աստիճան ստանալուց հետո նա իր դասընկեր Ֆիլիպ Պերլշտեյնի (ծն. 1924) հետ տեղափոխվեց բնակարան Նյու Յորքում և արագ հաջողությունների հասավ որպես կոմերցիոն արտիստ: Միլլերի և Կոի համար Ուորոլի New York Times- ի կոշիկների գծանկարները նրան մեծ ճանաչում բերեցին, և մեկ տասնամյակի ընթացքում նա քաղաքի ամենաբարձր վարձատրվող կոմերցիոն արտիստներից մեկն էր ՝ տարեկան վաստակելով 65,000 դոլար: Ուորհոլը շարունակեց իր կարիերան գրաֆիկական արվեստում մինչև 1962 -ի դեկտեմբեր, բայց սկզբից նա ուներ մասնավոր ձգտումներ `հաջողակ կերպարվեստագետ դառնալու համար:

Ոճաբանորեն, 1950 -ականներին Ուորհոլի արվեստի փորձերը սերտորեն կապված էին գովազդում նրա առևտրային աշխատանքի հետ, և նրա առևտրային ձևավորման պրակտիկայի մի քանի մեթոդներ և տեխնիկա կանխատեսում էին նրա հետագա կերպարվեստի ասպեկտները: Օրինակ, նա կազմակերպում էր «գունազարդման երեկույթներ» ՝ իր գովազդերը պատրաստելու համար և մի քանի առաջադրանք հանձնարարեց իր մորը, մարտավարություն, որը նա կկրկներ հետագայում ՝ իր արվեստի գործերը պատրաստելու համար օգնականների լայն կիրառման ժամանակ: Նմանապես, թղթի վրա նկարելու կամ ամսագրերից նկարներ գտնելու, այնուհետև թաց թանաքով դրանք պատրաստված ֆոնի վրա տեղափոխելու նրա տեխնիկան կրկնվեց ավելի ուշ `մետաքսե էկրանների տպագրության ժամանակ:

Ուորհոլի վաղ փոփ արվեստի բնութագրերը

Մինչ 1950 -ականների Ուորհոլի մի քանի գեղարվեստական ​​պրակտիկա շարունակվում էին նրա հետագա աշխատանքում, դրանք դժվար թե կարելի է ասել, որ անխուսափելիորեն տանում էին դեպի ցնցող անմիջականությունը, որով նա հանկարծ սկսեց կոմերցիոն արվեստի ոճ ընդունել իր նկարում 1959 -ի վերջին: որևէ նախադեպ նրա կողմից արմատականորեն յուրացնելու համար նյութը mediaԼՄ -ներից `կոմիքսների պատկերների և թերթերի գովազդերի իր մեծ նկարների համար (օրինակ. Քեմփբելսի ապուրը, 1962 թ.): Ըստ Բարրի Բլինդերմանի (Myամանակակից առասպելներ. Հարցազրույց Էնդի Ուորհոլի հետ, 1981 թ.), Վաթսունականների սկզբին Ուորհոլը պրոյեկտոր օգտագործեց ՝ մեխանիկական ճշգրտությամբ արտագրելու և մեծացնելու իր աղբյուրները, և իր մամուլի հայտարարություններում նա նշեց, որ իր ցանկացած ինքնատիպություն մերժվում է: աշխատանք: Այնուամենայնիվ, նա թողեց կոմիքսները որպես առարկա այն պահից, երբ 1961 թվականին Լեո Կաստելիի պատկերասրահում հանդիպեց Ռոյ Լիխտենշտեյնի կոմիքսների նկարներին ՝ բացահայտելով բնօրինակ ոճ ստեղծելու անհրաժեշտության սուր բնազդ:

Որոշելով թեման ՝ էժանագին գովազդեր, կոմիքսներ և վերնագրեր էժան թերթերի թերթերից, Ուորհոլը 1960 -ից 1962 թվականների ընթացքում խաղացել է տարբեր ոճերի հետ: ժեստերի նկարչության մեջ հայտնաբերված արտահայտիչ բնույթի: Միևնույն ժամանակ, նա ստեղծեց այլ պատկերներ `կոշտ, ճշգրիտ եզրերով, սառը, մեխանիկական ոճով, որը նա ի վերջո հաստատեց` դրանք անվանելով իր & quotno comment & quot; կտավները:

Ուորհոլը վայելում էր զանգվածային արտադրության ոչ ընտրովի պատկերները, որոնք խթանում էին մեդիա գովազդը: Նրա արվեստը արտահայտում և վեհացնում էր զանգվածային մշակույթի & quotameness & quotes- ը, որից ատում էին վերացական էքսպրեսիոնիզմով զբաղվող այսպես կոչված մտավորականները: Իր «Warանկացած Ուորհոլի փիլիսոփայությունը» (1975) գրքում նա ասում է, որ Ամերիկայում իրեն դուր է գալիս այն, որ իր ամենահարուստ սպառողները գնում են միևնույն բաները, ինչ ամենաաղքատները: & quot; Նախագահը խմում է Կոկա, Էլվիսը `Կոկա - բոլորը և բոլորը խմում են Կոլա: Եվ ոչ մի գումար չի կարող ինչ -որ մեկին գնել ավելի լավ Կոկա, քանի որ բոլոր Կոկերը նույնն են:

Չնայած դրան, առարկաների ընտրությունը պատահական կամ կամայական չէր: Ինչպես բացահայտում է Կինաստոն ՄքՇայնը իր Andy Warhol: A Retrospective (1989, MOMA, Նյու Յորք) հրատարակության մեջ, նրա վաղ պատկերներից շատերը `& wigs & quot; և ավելի մեծ մկանները, արտացոլում են Ուորհոլի ֆիզիկական անապահովությունը: Նույնիսկ Սուպերմենը և Պոպայեն, որոնց նա նկարել է 1960-61-ին, կերպարներ են, որոնք ապրում են ակնթարթային, ֆիզիկական կերպարանափոխություններ: Մաքշայնի մեկնաբանությունը հաստատվում է 1950 -ականներին Ուորհոլի `արտաքին տեսքը բարելավելու փորձերով, արծաթե բաճկոն հագնելով և 1957 թվականին քիթը վերափոխելու կոսմետիկ վիրահատությամբ:

Ուորհոլը Նյու Յորքում չուներ իր էստրադային նկարների ցուցահանդես, մինչև որ Էլեոնորա Վարդը դրանք գովազդեց 1962 թվականի աշնանը Stable Gallery- ում, չնայած նա կախեց դրանցից մի քանիսը (օր. Գովազդ, Փոքրիկ թագավոր, Սուպերմեն, առաջ և հետո, և Saturdays Popeye) որպես ֆոն նորաձևության մանեկենների հանրախանութի ցուցադրության ժամանակ, որը նա կազմակերպել էր Bonwit Teller- ի համար 1961 թվականի ապրիլին: Իրվին Բլումը Ferus պատկերասրահից (Լոս Անջելես) էր, ով նրան տվեց իր առաջին պատկերասրահը, 1962 թվականի աշնանը. երեսուներկու Campbell's Soup Cans- ի տեղադրում ՝ յուրաքանչյուրը 20 X 16 դյույմ չափսերով: Ուորհոլը, միշտ ամենաթարմ վերջին տենդենցի հետ, գուցե դրանք նկարել է որպես պատասխան asասպեր Johnsոնսի Painted Bronze Ale Cans (1960 թ.), Բայց նրանք զանգվածային արտադրության չեզոք չեզոքությամբ գերազանցել են Johnsոնի քանդակին: Պատկերներն այնքան անդիմադրելի են, որքան դրանք ոչ թե ապուրի բանկա, այլ պատկերներ, որոնք բաժանվում են «quotsignifier» - ից «quotsignified» - ից ավելի բացարձակ, քան մինչև այդ ժամանակ ստեղծված գրեթե ցանկացած նկար: Թեև Ուորհոլի մի քանի գծանկարներ, որոնք ապուրի պահածոներ են, դեռևս պահպանում են նուրբ, ժեստային որակը դեռ 1962 թ.

Մետաքսի էկրաններ. Վերացնելով նկարչի հպումը

Ուորհոլը ձեռքով նկարեց պահածոները և թերթերի վերնագրերը 1961 և 1962 թվականներին, բայց 1962 թվականի վերջին նա պարզեց, թե ինչպես կարելի է լուսանկարը լուսանկարով տեղափոխել մետաքսե էկրան և անմիջապես անցավ այս տեխնիկային ՝ վերացնելով նկարչի հպման բոլոր հետքերը և ստեղծելով ավելի մեխանիկորեն անջատված: նկար Ավելին, նա ավելի ու ավելի էր կախված իր նկարները ստեղծելու օգնականներից: 1963 թվականի հունիսին նա աշխատանքի ընդունեց raերար Մալանգային ՝ լրիվ դրույքով աշխատելու մետաքսե էկրանին նկարների վրա, և աստիճանաբար այլ օգնականներ միացան աշխատավարձին: Նրանք գործում էին ինչպես գրաֆիկական դիզայնի գրասենյակի աշխատակիցները: Երբ Ուորհոլը սկսեց աշխատել իր Մերիլին Մոնրոզի վրա, օրինակ ՝ Մալանգան և Բիլի Նամը կատարեցին աշխատանքների մեծ մասը, օրինակ ՝ իրեր կտրելը և էկրանները դասավորելը, իսկ նա քայլում էր շարքերով ՝ տալով հետևյալ հարցերը. միտումնավոր նկատեց իր չմասնակցելը ՝ կարծելով, որ մեկ ուրիշը պետք է կարողանա իր բոլոր նկարներն անել իր փոխարեն: Նա պնդում էր, որ օգնականներից օգտվելու և իր աշխատածի պատճառն այն էր, որ նա ցանկանում էր մեքենա լինել և ստեղծել բոլորովին «չեզոք» տեսք ՝ զուրկ մարդկային որևէ հպումից: Այնուամենայնիվ, ճշմարտությունն այն է, որ նա հեշտությամբ կարող էր պայմանագիր կնքել աշխատանքի հետ, եթե իսկապես ցանկանար իսկական առևտրային տեսք: Ինչևէ, նա նախընտրեց ներառել երբեմն պատահող մարդկային սխալը, օրինակ ՝ էկրանների անհամապատասխանությունը, անհարթ թանաքոտումը և ընդհատվող բծերը:

Marilyn Monroes Lips (1962 թ., Հիրշհորնի թանգարան և քանդակագործության այգի, Վաշինգտոն) ունի անթերի տպաքանակի տեսք, որտեղ սև գիծը և գունավոր էկրանը այնքան էլ չեն տեղավորվում միմյանց հետ, և թանաքոտման որակը լայնորեն տարբերվում է: Massանգվածային շուկայի առևտրային գործընթացների արդյունքում ստեղծված սովորական կրկնությունը, կարծես թե, հակասում է թեև այս նկարում և թե՛ Գոլդ Մերիլին Մոնրոյին (թեև պասիվ) անհատական ​​ներկայությանը (1962 թ., Թանգարան ժամանակակից արվեստի, Նյու Յորք): Կրկնումը պատկերներին տալիս է անանուն, անանցանելի տեսք, մինչդեռ յուրաքանչյուր անկատար շինված ստորաբաժանման յուրահատուկ հատկությունները կարողանում են ինքնահաստատվել ՝ ստեղծելով անհարմար անհամապատասխանություն մեխանիկական ճակատի և դրանում թաղված անհատի միջև: Այսպիսով, և՛ դիտորդը, և՛ նկարիչը դառնում են ոչ այլ ինչ, քան պասիվ վուայերներ, որոնք կյանքը զգում են որպես զանգվածային արտադրության պատկերների հավաքման գիծ:

Ֆիլմի աստղի և աղետի նկարներ. Սարսափելի դատարկություն

Մերլին Մոնրոյի, Լիզ Թեյլորի և այլ կինոաստղերի դիմանկարների աճող թիվը մեծապես կապված էր Ուոլհոլի ոգևորության հետ Հոլիվուդի հմայքի և փայլի նկատմամբ: Էնդի Ուորհոլում (1968), Ստոկհոլմում գտնվող Moderna Museet- ի իր ցուցահանդեսի կատալոգում, նա հայտարարեց. & Quot; Ես սիրում եմ Հոլիվուդը: Գեղեցիկ է. Բոլորը պլաստիկ են: Ես ուզում եմ պլաստիկ լինել: & quot; Նա վերջնական երկրպագուն էր, վերջնական սպառողը: Այնուամենայնիվ, նրա «Մերիլին Մոնրոզը» նույնպես մութ կողմ ունի: Դրանք արվել են 1962 թվականի օգոստոսին դերասանուհու ինքնասպանությունից հետո: Ավելին, նրա դիմանկարի մեխանիկական կրկնությունը նրան դարձնում է թափանցիկ մակերեսային ՝ մերժելով մակերեսային պատկերի տակ անհատականության որևէ զգացում: Այն ներկայացնում է մարդու սարսափեցնող անհատականացում, և գուցե արտացոլում է նկարչի սեփական պատկերն իր մասին: 1975 թ., Օրինակ, նա գրել է.

Մերիլին Մոնրոյի ինքնասպանության կամ Johnոն Քենեդիի սպանության և թաղման հեռուստատեսային լուսաբանումների ընթացքում (որոնցից Ուորհոլը նկարահանել է մոլուցքով) նույն տեսահոլովակները մի քանի օր շարունակ անընդմեջ հնչում են: Ուորհոլի & quot; Մերիլինի & quot & և այլ պատկերների այլ դիմանկարներ ունեն նույն անզգայացնող կրկնությունը:

1963 թ. -ին Ուորհոլը սկսեց աշխատել աղետների շարքի վրա, օրինակ ՝ Saturday Disaster (1964 թ., Վարդերի արվեստի թանգարան, Բրանդեյսի համալսարան), որը հետագայում զարգացրեց «Մերիլինսի» հիվանդագին որակը: , էլեկտրական աթոռը և ատոմային ռումբը: Նա վերարտադրել է պատկերները տարբեր գույներով և դեկորատիվ նախշերով: Այս պատկերներն անհանգստացնող են ոչ միայն իրենց սարսափելի բացահայտության պատճառով, այլև այն պատճառով, որ Ուորհոլի ջոկատը ենթադրում է սարսափելի ապանձնայնացում. կյանքի օտարում վաթսունական թվականներին:

1962 և 1963 թվականներին Ուորհոլը ստեղծեց նեոդադացի նկարիչ Ռոբերտ Ռաուշենբերգի մի քանի դիմանկարներ, որոնց նա հարգում էր աղքատությունից փառքի հասնելու համար: Ինչ -որ առումով, Ռաուշենբերգի օրինակը օրինակ է հանդիսացել Ուորհոլի հայտնի ասացվածքին, որ «ապագայում բոլորը աշխարհահռչակ կդառնան տասնհինգ րոպե»: Ուորհոլը մեծապես գրավեց հայտնիության հասկացությունը ՝ որպես սպառողական արտադրանքի տեսակ, որը ցանկացած մարդ կարող է ունենալ:

1963-ի վերջին Ուորհոլի ստուդիան տեղափոխվեց հին գործարան ՝ Արևելյան քառասունյոթերորդ փողոցում: «Գործարանը», ինչպես հայտնի դարձավ, աստիճանաբար վերածվեց նորաձև կերպարների և այլ «գեղեցիկ» մարդկանց հագեցած տեղերի, որոնք քաշում են թագուհիներին և երաժշտական ​​ընդհատակյա անդամների հետ միասին, որոնցից շատերը զբաղված են թմրանյութերով և (կամ) տարօրինակ պահվածքով: Ուորհոլը, թվում էր, պետք է շրջապատված լիներ տարօրինակություններով, ինչպես նաև արվեստագետներով, անկումներով և այլասերվածությամբ, ինչպես նաև կերպարվեստով: Ամեն դեպքում, Ուորհոլը դեռ արտադրում էր 1964 թվականին: Իրոք, հետադարձ հայացք նետելով ՝ շատ արվեստաբաններ դեռ համոզված են, որ Ուորհոլի կարևոր աշխատանքը թվագրվում է 1960 -ից 1964 թվականներին:

1965 -ին Ուորհոլի աճող համբավը գրավեց Նյու Յորքի այլ հայտնիների, ովքեր ցանկանում էին տեսնել և տեսնվել «Գործարանում»: Միևնույն ժամանակ, theԼՄ-ները հալածում էին Ուորհոլին, իսկ այցելուներն ու կախոցները պայքարում էին նրա ուշադրության համար: 1965 թվականի աշնանը, Ֆիլադելֆիայի Artամանակակից արվեստի ինստիտուտում Ուորհոլի ցուցահանդեսի բացմանը, չորս հազար մարդ հավաքվեց երկու փոքր սենյակներում, և անձնակազմը ստիպված եղավ նկարները հանել պատերից ՝ ապահովության համար: Դա արվեստի ցուցահանդես էր առանց արվեստի:

Հետաքրքրվեցի, թե ինչն էր ստիպել այդ բոլոր մարդկանց գոռալ, - մեջբերեց Ուորհոլը հետագայում, «Պոպիզմ» գրքում (1980, Ուորհոլ և Հեքեթ): & quot Անհավանական էր մտածել, որ դա տեղի է ունենում արվեստի բացման ժամանակ: Բայց հետո, մենք ոչ միայն արվեստի ցուցահանդեսին էինք, այլ արվեստի ցուցահանդես էինք: & quot

1966 թ. -ին Գործարանի ամբոխը երեկոները հավաքվում էր Յունիոն հրապարակում գտնվող ռեստորանում, որը հայտնի էր որպես Մաքսի Կանզաս Սիթի: Այն հանրաճանաչ էր արվեստագետների և գրողների շրջանում, և նրա հետևի սենյակներում ցուցադրվում էր ցուցադրության կրկես, թմրանյութեր և սեքսուալություն: Հայտնի մարդկանց թվում էին Թրումեն Կապոտեն, Բոբի Քենեդին, ինչպես նաև քաղաքի հաստատության, ինչպես նաև նրա ընդհատակյա ազդեցիկ գործիչները: Բայց Ուորհոլը մնաց կատալիզատոր. Ներկայությունը, որը ոգեշնչեց կամ պասիվ կերպով դրդեց մարդկանց կյանքի կոչել իրենց երևակայությունները, մինչ նա դիտում կամ լուսանկարում էր:

Նյու Յորքի հետմոդեռնիստական ​​արվեստի ամենահեղինակավոր պատկերասրահներից մեկը պատկանում էր Լեո Կաստելլիին: Ուորհոլը միշտ ցանկացել է մենահամերգ ունենալ այնտեղ (Ռոյ Լիխտենշտեյնն այնտեղ ունեցել է 1962 թ.), Եվ Կաստելլին վերջապես նրան տվել է այն 1964 թվականին: Նրա առաջին շոուն «quotFlowers» - ից էր, որտեղ Ուորհոլն իր ներկապնակում ավելի հեռացավ նատուրալիզմից. ոչ թե նրա նախկին աշխատանքները որևէ իմաստով բնապաշտական ​​էին, այլ նա հակված էր կամ օգտագործել բնությանը համապատասխան արժեքների սանդղակ, կամ ավելի արհեստական ​​մասշտաբով `առնվազն մնացորդային նմանությամբ: 1964 թ.-ից նա սկսեց իր ներկապնակում ներառել բոլորովին ոչ նատուրալիստական ​​գույներ. Օրինակ ՝ կարմիր և սպիտակների փոխարեն փիրուզագույն և վարդագույն & quot; Քեմփբելի ապուրի բանկա & quot; նկարելը և բազմագույն & quot; Ինքնադիմանկարներ & quot; կապույտ դեմքով և դեղին մազերով:

1966-ին, դառնալով Նյու Յորքի վաթսունականների արվեստի առաջատար աստղը, ցուցահանդեսով ամենաոճային պատկերասրահում, Ուորհոլը ձանձրանում էր նկարչությունից և գործնականում դադարում էր, նախընտրելով կենտրոնանալ հոգեբանական, բազմամեդիա ներկայացման առաջմղման վրա `& quot , & quot Velvet Underground ռոք խմբի մասնակցությամբ: Նա նաև ավելի ու ավելի էր դիմում կինոյին ՝ նկարահանելով «Չելսիի աղջիկները» (1966), ֆինանսապես առաջին հաջողված, եթե չափազանց ձանձրալի, ընդհատակյա ֆիլմը: Դրան հաջորդեցին մի շարք սարսափելի ֆիլմեր, որոնք լիովին չկարողացան արդարացնել իրենց գեղարվեստական ​​հաշիվները: Սա զարմանալի չէր, քանի որ նրա վաղ ֆիլմերն իրենց պասիվությամբ անզիջում Warholesque էին: Նա միայն տեսախցիկն ուղղեց ինչ-որ մեկի վրա և թույլ տվեց, որ այն գործի, ձայնային ուղի չկար, ինչպես նրա 6-ժամյա, անգործուն ֆիլմում ՝ «Երազ» (1963) վերնագրով: In Eat (1963) -ում տեսախցիկը 45 րոպե անընդհատ կենտրոնանում է փոփ արտիստ Ռոբերտ Ինդիանայի վրա, երբ նա սնկով է սնվում: Empire- ում (1964) տեսախցիկը 8 ժամ կոշտ կերպով կենտրոնանում է Empire State Building- ի գագաթին:

1967 -ին Գործարանը տեղափոխվեց 33 Union Square West և տեսարանը ավելի ու ավելի տարօրինակ դարձավ մինչև 1968 -ի հունիսը, երբ Ուորհոլը գնդակահարվեց և ծանր վիրավորվեց խմբի անդամ Վալերի Սոլանասի կողմից, ով իր ֆիլմերից մեկում փոքր մասնակցություն ունեցավ: Կառնավալային մթնոլորտը կտրուկ ավարտվեց: Ուորհոլը մահացած հայտարարվեց վիրահատական ​​սեղանին, բայց բարեբախտաբար վերածնվեց: 8 շաբաթ հիվանդանոցում անցկացնելուց հետո նա վախեցած վերադարձավ The Factory: Չնայած այն մտավախությանը, որ նա կարող է կորցնել իր ստեղծագործական կարողությունը առանց իր շուրջը կառնավալային տիպի քաոսի խթանի, ստուդիայի մուտքը խստացվել էր: Գործարանը կենտրոնացած էր զանգվածային արտադրության արվեստի վրա, որը կվաճառեր. Այսինքն ՝ ավանգարդի առևտրային հուշանվերներ, որոնք Ուորհոլը կոչում էր «բիզնեսի արվեստ»:

Իրականում, Ուորհոլի արվեստի գործերը արտադրվում էին 1963 թվականից `հավաքման գծերի մեթոդներով. 60-ականների կեսերին Գործարանը օրական արտադրում էր մինչև 80 մետաքսե էկրանով նկարներ և շաբաթական մեկ անգամ մեկ ֆիլմ: Ամեն դեպքում, 1969 թվականի կեսերին, Ուորհոլի կերպարվեստը մեծապես չորացել էր: Ինչպես նշել է Ուրիհոլի ստուդիայի օգնականներից Բրիջիդ Պոլկը. & Quot; Ես ամեն ինչ անում էի վերջին մեկուկես տարում: Էնդին այլեւս արվեստով չի զբաղվում: Նա ձանձրանում է դրանից: & quot; trueշմարիտ էր, մեծ մասամբ: Ուորհոլն իր ուշադրությունը սեւեռեց այլ ձեռնարկությունների վրա, ինչպիսիք են Interview- ը, նրա բարձր հասարակության բամբասանքների ամսագիրը:

1970 -ականների սկզբին Ուորհոլը նորից նկարահանելու իր հետաքրքրությունը վերակենդանացրեց հասարակության մի շարք դիմանկարներով և չինական կոմունիստ առաջնորդ Մաո edզեդունի նկարներով, օրինակ. Մաո (1973, Չիկագոյի արվեստի ինստիտուտ): Մինչ այժմ Ուորհոլը դարձել էր միջազգայնորեն հայտնի նկարիչ-հայտնին `Պիկասոյից հետո ամենաքննարկվող արտիստը և A- ցուցակի սոցիալական առիթների և մշակութային միջոցառումների մշտական ​​հյուրը: Երբ Վիետնամի վերջնախաղը սկսեց զարգանալ, Ուոթերգեյթի քաղաքական և քրեական բացահայտումներին զուգահեռ, ինչպես շատ հարուստները, այնպես էլ հակամշակութային բողոքի շարժումը մտահոգվեցին խորհրդանիշներով: Ուորոլի նկարները նախագահ Մաոյի վրա զվարճացրել են արվեստի հարուստ կոլեկցիոներներին ՝ միևնույն ժամանակ հաստատելով արևմտյան կապիտալիզմի վերելքը ՝ համաշխարհային հեղափոխության խորհրդանշական չեմպիոնին վերածելով հարուստների սպառողական արտադրանքի:

Ավելի շատ դիմանկարային նկարներ հայտնվեցին: Իրոք, Ուորհոլի հասարակության յոթանասունական թվականների դիմանկարները վերածնեցին դիմանկարային արվեստի ժանրը: Շատերը տպվել են հյուսվածքային վրձնագործության պատրաստված հիմքերի վրա ՝ 40 X 40 դյույմանոց երկու վահանակի ստանդարտ ձևաչափով, և շատ առարկաներ ստացել են անուղղակի, պլաստմասե առարկաների տեսք:

Յոթանասուն -ութսունական թվականներին Ուորհոլը ստանձնեց ավելի շատ գովազդային և դիզայներական հանձնաժողովներ: Նա նույնիսկ դարձավ սպառողական ապրանք, երբ նա նկարահանվեց 1986-ի Նեյման-Մարկուսի Սուրբ ննդյան կատալոգում. Այն գովազդեց Ուորհոլի հետ դիմանկարային նստաշրջանը $ 35,000 դոլարով: Ուորհոլի ուժեղացված կապը կարգավիճակի և փողի հետ շահագործեց ամերիկյան սպառողական մշակույթի մակերեսայնությունն ու մատերիալիզմը 70-80 -ականներին, քանի որ անհատներն ամենուր սկսեցին ավելի օտարված զգալ կյանքի անիրականությունից: Ինչպես ինքը `նկարիչն է խոստովանել. & Quot

Էնդի Ուորհոլի էստրադային նկարներն ու գծանկարները կարելի է տեսնել ժամանակակից արվեստի աշխարհի շատ լավագույն պատկերասրահներում և աշխարհի լավագույն արվեստի թանգարաններում:

• modernամանակակից այլ նկարիչների կենսագրությունների համար տե՛ս ՝ Հայտնի նկարիչներ:
• Նկարչության մանրամասների համար տե՛ս ՝ Գլխավոր էջ:


Campbell 's- ը աշխարհի ամենակայուն ընկերություններից մեկն է

Եթե ​​դուք փորձում եք ավելի պատասխանատու ընտրություն կատարել, երբ խոսքը վերաբերում է ձեր ընտանիքի գնման սովորություններին, ապա կարող եք վստահ լինել Քեմփբելի արտադրանքը վերցնելու ձեր ընտրության մեջ. Պարզապես վերցրեք այն կորպորատիվ ightsինվորական լրատվամիջոցներից և հետազոտական ​​ընկերությունից:

2019 թվականին նրանք Քեմփբելի ապուրն անվանեցին Աշխարհի 100 ամենակայուն կորպորացիաների ամենամյա ցուցակում: Դա տպավորիչ է, և առավել տպավորիչն այն է, որ նրանք մեկն էին միայն 22 ամերիկյան ընկերություններից, որոնք կազմել էին ցուցակը, և նրանք միայն մեկն էին ԱՄՆ-ում տեղակայված երկու սննդի ընկերություններից: (Մյուսը Մակքորմիկն էր):

Դա նույնպես հեռու է նրանց միակ մրցանակից: Կորպորատիվ պատասխանատվության ամսագրի կողմից ութերորդ տարին անընդմեջ ճանաչվելուց հետո, Forbes զրուցեց Քեմփբելի կորպորատիվ պատասխանատվության փոխնախագահ և կայունության գլխավոր պատասխանատու Դեյվ Ստանգիսի հետ: Նրա խոսքով, 2018 -ին շատ բան էր կատարվում. Նրանք աշխատում էին իրենց ընկերությունն ավելի շատ դեպի վերականգնվող էներգիա տեղափոխելու վրա, ավելացնում էին իրենց կողմից կատարվող վերամշակման ծավալները, և նրանք ամեն ինչ անում էին իրենց առջև դրված նպատակին համապատասխան: 2010 - կիսով չափ կրճատեք իրենց շրջակա միջավայրի հետքերը, մինչև 2020 թվականը: Քեմփբելի տպավորիչ նպատակներին անդրադառնալիս Ստանգիսն ասաց. «[.] Գտեք ձեր սկզբունքները և որոշեք, թե ինչին եք պաշտպանում: Շատ ավելի արդյունավետ է պաշտպանել այն, ինչին դու կողմ ես այլ ոչ թե վիճել այն բաների համար, որոնց դեմ ես »:


Ինչու՞ է Էնդի Ուորհոլի և#039 -ի Քեմփբելի ապուրը հայտնի:

As the name suggests, Andy Warhol&rsquos Campbell's Soup is not a soup variety, but an art piece. It is a collection of 32 different 20x16 inches canvases, each of which is a painting of a can of Campbells soup in different colors. At first sight, you will not feel anything special about them, and all of them look very much the same. But when you take a close look at their names, each represents a different soup variety available at that time. They were created in 1962 by Andy Warhol, who was a successful painter, author, film director and painter. He showed this creation in the Ferus Gallery, Los Angeles, California, and marked the beginning of Pop Art in the West Coast. Read this oneHOWTO article to find out why is Andy Warhol's Campbell's Soup famous?


Why Did Andy Warhol Paint Soup Cans?

Known to be his most iconic work of all time, the ‘ 32 Campbell’s Soup Cans ’ from 1962 is still being enjoyed by museum visitors today, at the MoMA in New York. It was known that when reflecting back on his career, Warhol claimed that this piece was his favourite work , and that “I should have just done the Campbell’s Soups and kept on doing them… because everybody only does one painting anyway.”

Many stories say that Warhol’s choice to paint soup cans reflected on his own devotion to Campbell’s soup as a customer. Robert Indiana once said , “I knew Andy very well. The reason he painted soup cans is that he liked soup.”

Warhol was thought to have focused on them because they composed a daily dietary staple. Others said Campbell’s was a brand “close to his heart”.

Regardless of the reason why Warhol decided to focus on Campbell’s soup, this piece of art certainly brought him the attention and fame that lives on today.


Andy Warhol: A Lot More than Soup Cans

Bruce Chadwick lectures on history and film at Rutgers University in New Jersey. He also teaches writing at New Jersey City University. He holds his PhD from Rutgers and was a former editor for the New York Daily News. Mr. Chadwick can be reached at [email protected]

A month ago, I watched a television program that covered, briefly, the art of pop icon Andy Warhol, he of all the Campbell&rsquos Soup cans. The narrator said that Warhol had passed into history and that young people today probably had no idea who he was.

I was startled. Young people did not know who the thin man with the white hair was, the man who hung out with Liz Taylor, Liza Minelli, dress designer Halston and the Jaggers? The man who painted the famous Mao portrait? Truman Capote&rsquos buddy?

I&rsquom a professor, so the next day I asked my classes, 25 students in each, if they knew who Andy Warhol was. I didn&rsquot say artist or painter Andy Warhol, just Andy Warhol.

The hands shot into the air. About 95% of them knew who he was.

Andy Warhol will never pass from the scene. That is proven, conclusively, in the largest exhibit of his work in generations at the Whitney Museum, in New York, Andy Warhol &ndash From A to B and Back Again. It is a marvelous and exciting tribute to his work and is attracting huge crowds.

The crowds are not art aficionados from the 1960s, either, but young women with baby carriages, high school student groups, young couples and foreign tourists. Warhol was an international celebrity and a celebrity superstar in addition to being a memorable artist, and, these crowds indicate, always will be remembered.

&ldquoModern art history is full of trailblazers whose impact dims over time,&rdquo said Curator Scott Rothkopf. &ldquoBut Warhol is that extremely rare case of an artist whose legacy grows only more potent and lasting. His inescapable example continues to inspire, awe and even vex new generations of artists and audiences with each passing year.&rdquo

Another curator, Donna De Salvo, said the originally Avant Garde Warhol has become part of mainstream art. &ldquoWarhol produced images that are now so familiar that it&rsquos easy to forget how just how unsettling and even shocking they were when they debuted,&rdquo she said.

Warhol really became famous not so much because of his new age art, but because of his celebrity. He was friends with many of the biggest entertainment stars in the world, was a fixture at legendary New York nightclub Studio 54 in the 1980s, paled around with fashion designer Halston, drank wine with Liza Minelli and lunched with Liz Taylor. He was almost murdered in 1968 when an irate actress from his film studio, the Factory, shot him several times. The shooting made front page news all over the world. He was a central character in the movie Factory Girl, about Edie Sedgwick, one of his Factory actresses.

Everybody recognized him instantly since he wore those thick glasses and had that mop top of dyed white hair. That fame was why people paid so much attention to his often-bizarre work. Some said that the quiet boy from Pittsburgh, who fell in love with Shirley Temple as a kid created a unique persona of himself that worked well.

The Warhol exhibit, a real achievement in cultural history, occupies all of the fifth floor at the Whitney plus additional galleries on the first and third floors. The best way to start is on the first floor and the gallery of his oversized portraits. They are mounted in log rows across the walls of the room and they introduce you to Andy the celebrity and Andy the artist at the same time. The portraits also tell you a lot about show business and art history in the 1960s and &lsquo70s. There are lots of famous people on the walls here, like Liza Minelli, Dennis Hopper, soccer star Pele, socialite Jane Holzer and Halston, but lots of people you never heard of, too.

The third-floor houses wall after wall of his famous &ldquoCow Wallpaper,&rdquo adorned with hundreds of similar heads of a brown cow. It is eye-opening and hilarious.

Another room has a stack of his popular blue and white Brillo pad boxes and a wall full of S & H Green Stamps (remember them?)

There are his paintings of magazine covers and lots of newspaper front pagers (an eerie one about a 1962 Air France plane crash).

You learn a lot about his personal life. As an example, as a young man he became a fan of Truman Capote, who wrote Breakfast at Tiffany&rsquos and called him every single day.

There are drawings of celebrity&rsquos shoes to show how they represented their personalities. Christine Jorgensen was one of the first modern openly transgender women, so she has shoes that don&rsquot match each other.

Unknown to most, he loved to do paintings of paintings of comic strip characters. Two in the exhibit, of Superman and Dick Tracy, in blazing bright colors, were displayed in a New York City department store window.

What makes the exhibit so enjoyable at the Whitney Museum, recently opened on Gansevoort Street near the Hudson River, is the way the curators use its space. Unlike most museum exhibits, where everything is scrunched together, the curators used the large, high ceilinged rooms wisely, putting the 350 Warhol pieces, especially the very large ones (some are thirty feet wide) alone on the pristine white walls so they jump off the wall at you. You go around one corner and there is Elvis Presley as a gunslinger in four separate portraits firing one of his six-guns. Next to him is Marlon Brando in a leather jacket and on his motorcycle.

There are weird walls of photos such as most wanted criminals he drew from photos in a New York State Booklet, &ldquo13 Most Wanted Men.&rsquo There is a series of his copies of Leonardo da Vinci&rsquos Mona Lisa and then his copy of his copy.

He did inspirational photos and silkscreens. A woman named Ethel Sculls CHEC arrived at his studio one day for what she thought would be a traditional portrait. Instead, Warhol took her to Times Square and had her sit for dozens of photos in the cheapie photo booths there, where all the going-steady high school kids went. The result &ndash a sensational wall of photos of her in different giddy and seductive poses. Brilliant.

There are photos of Jackie Kennedy Onassis. One set is of her smiling on the morning before her husband&rsquos murder and then, in the next strip, is her, somber, at the President&rsquos funeral. There is a wall full of his famous photo of Marilyn Monroe. There is a world famous, mammoth, and I mean mammoth, portrait of China&rsquos Chairman Mao. One wall is filled with his fabled Campbell&rsquos soup can paintings and another with his Coca Cola works.

Sprinkled among all of these paintings are real life photos and videos of Warhol at work.

There is a large television set on the third floor in which you see a truly bizarre video of Warhol simply eating a cheeseburger for lunch (he&rsquos doing to get sick eating so fast!)

Warhol was also a well-known Avant Garde filmmaker and the museum is presenting dozens of his 16mm movies in a film festival in its third-floor theater. Some of these star the famous Ed Sedgwick, who appeared in many of his films and died tragically of a drug overdose.

Andy Warhol, who died at the age of 58 during a minor operation, led a simple middle-class existence until he arrived in New York. He was born in 1928 in Pittsburgh, was graduated from Carnegie-Mellon University there and then went to New York where he became well-known. He began his career as a commercial artist, earning money for drawings for magazine ads (dozens of them are in the show).

He became famous for his portraits of Campbell&rsquos Soup cans. He painted them because as a kid his family was so poor that he and his brothers had Campbells Soup for lunch every day. Warhol said he had Campbell&rsquos soup for lunch every day for 20 years. He also saw the soup can as a window into America. He was right.

The exhibit is a large open window on American history and culture in the 1960s and &lsquo70s and how the outlandish Warhol starred in it and, with his genius, changed it.


The fascinating story behind Andy Warhol's soup cans

On the show's opening night a rival dealer offered soup cans cheaper in his gallery, Warhol's own gallerist bought back the five he'd sold, including one from Dennis Hopper, then offered to buy entire set from Andy for just $3,000

To celebrate the day of Andy Warhol's birth (he was born this day in 1928) we thought it would be an opportune moment to look back at the story behind one of his most iconic works, 32 Campbell's Soup Cans from 1962. There's a fascinating story about the work in our Phaidon Focus iBook for Mac and iPad and it's also featured in our peerless Andy Warhol Catalogue Raisonné.

Reflecting on his career, Warhol claimed that the Campbell’s Soup Can was his favourite work and that, "I should have just done the Campbell’s Soups and kept on doing them . because everybody only does one painting anyway." Certainly, it is the signature image of the artist’s career and a key transitional work from his hand-painted to photo-transferred paintings. Created during the year that Pop Art emerged as the major new artistic movement, two of his soup can paintings were included in the landmark Sidney Janis Gallery exhibition, ‘The New Realists’.

In the spring of 1962, Warhol had been working on his new renditions of ads and comic strips when he saw Roy Lichtenstein’s comic-strip paintings at Leo Castelli Gallery. Soliciting suggestions for subjects to paint, he asked a friend, who suggested he choose something that everybody recognised like Campbell’s Soup. In a flash of inspiration he bought cans from the store and began to trace projections onto canvas, tightly painting within the outlines to resemble the appearance of the original offset lithograph labels. Instead of the dripping paint in his previous ads and comics, here Warhol sought the precision of mechanical reproduction. At this time he received a return studio visit from Irving Blum of Ferus Gallery, Los Angeles, who was expecting to see comic-strip paintings and was surprised by the new soup cans, immediately offering the artist a show that summer. Expanding his subject, he decided to paint one of each of the thirty-two varieties of Campbell’s soups. Blum exhibited the cans on shelves running the length of his gallery.

The exhibition caused a mild sensation in Los Angeles. The more daring members of the youthful art and film community were intrigued by their novelty. Most people, however, treated them with indifference or outright disdain. A nearby art dealer parodied the show by displaying a stack of soup cans, advertising that you could get them cheaper in his gallery. Blum had sold five of the paintings before he recognised that the group functioned best as a single work of art. He bought back the works already purchased, including one from Dennis Hopper, then offered to buy the set from Warhol in instalments for the modest sum of $3,000.

With his Campbell’s Soup Cans installation at Ferus Gallery, the artist realised the possibility of creating works in series, and the visual effect of serial imagery. He continued making variations on his Soup Cans, stencilling multiple cans within a single canvas and so amplifying the effect of products stacked in a grocery store, an idea that he would later develop in the box sculptures. He also realised that the serial repetition of an image drained it of its meaning, an interesting phenomenon most poignantly presented in his Disasters, in which the constant exposure to their graphic displays of violence numbs the senses. And, perhaps the most significant outcome of this series was the artist’s push towards printing to achieve the mechanical appearance that he sought in his paintings.

If that little passage has intrigued you you can order Andy Warhol here in print or here in iBook format for Mac and iPad and check out the other artists in the Focus series here.


Campbell's Soup Cans

Campbell's Soup Cans, which is sometimes referred to as 32 Campbell's Soup Cans, is a work of art produced in 1962 by Andy Warhol. It consists of thirty-two canvases, each measuring 20 inches (51 cm) in height × 16 inches (41 cm) in width and each consisting of a painting of a Campbell's Soup can—one of each of the canned soup varieties the company offered at the time. The individual paintings were produced by a printmaking method—the semi-mechanized screen printing process, using a non-painterly style. Campbell's Soup Cans' reliance on themes from popular culture helped to usher in pop art as a major art movement in the United States.

Warhol, a commercial illustrator who became a successful author, publisher, painter, and film director, showed the work on July 9, 1962, in his first one-man gallery exhibition as a fine artist in the Ferus Gallery of Los Angeles, California. The exhibition marked the West Coast debut of pop art. The combination of the semi-mechanized process, the non-painterly style, and the commercial subject initially caused offense, as the work's blatantly mundane commercialism represented a direct affront to the technique and philosophy of abstract expressionism. In the United States the abstract expressionism art movement was dominant during the post-war period, and it held not only to "fine art" values and aesthetics but also to a mystical inclination. This controversy led to a great deal of debate about the merits and ethics of such work. Warhol's motives as an artist were questioned, and they continue to be topical to this day. The large public commotion helped transform Warhol from being an accomplished 1950s commercial illustrator to a notable fine artist, and it helped distinguish him from other rising pop artists. Although commercial demand for his paintings was not immediate, Warhol's association with the subject led to his name becoming synonymous with the Campbell's Soup Can paintings.

Warhol subsequently produced a wide variety of art works depicting Campbell's Soup cans during three distinct phases of his career, and he produced other works using a variety of images from the world of commerce and mass media. Today, the Campbell's Soup cans theme is generally used in reference to the original set of paintings as well as the later Warhol drawings and paintings depicting Campbell's Soup cans. Because of the eventual popularity of the entire series of similarly themed works, Warhol's reputation grew to the point where he was not only the most-renowned American pop art artist, but also the highest-priced living American artist.

Warhol arrived in New York City in 1949, directly from the School of Fine Arts at Carnegie Institute of Technology. He quickly achieved success as a commercial illustrator, and his first published drawing appeared in the Summer 1949 issue of Glamour Magazine. In 1952, he had his first art gallery show at the Bodley Gallery with a display of Truman Capote-inspired works. By 1955, he was tracing photographs borrowed from the New York Public Library's photo collection with the hired assistance of Nathan Gluck, and reproducing them with a process he had developed earlier as a collegian at Carnegie Tech. His process, which foreshadowed his later work, involved pressing wet ink illustrations against adjoining paper. During the 1950s, he had regular showings of his drawings, and exhibited at the Museum of Modern Art (Recent Drawings, 1956).

Սա Վիքիպեդիայի հոդվածի մի մասն է, որն օգտագործվում է Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Unported License (CC-BY-SA) ներքո: Հոդվածի ամբողջական տեքստը ՝ այստեղ


Մինչ դուք զանգում եք ամռանը, մի մոռացեք հիշել այն բանի կարևորությունը, ինչի համար մենք մեկնել ենք:

Քաջերի պատճառով ազատի տունը:

«Ամերիկյան դրոշը չի ծածանվում, որովհետև քամին այն շարժում է: Այն ծածանվում է յուրաքանչյուր պաշտպանողի վերջին շունչից, որը զոհվել է այն պաշտպանելով»:

Այս պահին Ամերիկայում մենք ներկայումս ունենք ավելի քան 1.4 միլիոն քաջ տղամարդ և կին, որոնք ակտիվորեն գրանցված են զինված ուժերում ՝ մեր երկիրը պաշտպանելու և ծառայելու համար:

Ներկա դրությամբ աճել է 2.4 միլիոն թոշակառուի տոկոսը ԱՄՆ բանակից

Մոտավորապես, գրանցվել է պատերազմներում կռվող զինվորների ավելի քան 3.4 միլիոն մահ:

Ամեն տարի բոլորը անհամբերությամբ սպասում են Հիշատակի օրվա շաբաթօրյակին, հանգստյան օրերին, որտեղ լողափերը գերբնակեցված են, մարդիկ նրանց պատրաստում են գրիլներ զվարճալի արևոտ խորովածի համար, պարզապես ամառային միջոցառումների ավելացում, որպես «նախախաղ» ամռան մեկնարկից առաջ:

Շատ ամերիկացիներ մոռացել են ճշմարիտ սահմանումը, թե ինչու ենք մենք արտոնություն ունենում նշելու Հիշատակի օրը:

Պարզ ասած ՝ Հիշատակի օրը դադար տալու, հիշելու, արտացոլելու և մեծարելու օր է ընկածներին, ովքեր զոհվեցին ՝ պաշտպանելով և ծառայելով այն ամենի համար, ինչ մենք այսօր ազատ ենք անել:

Շնորհակալություն առաջ գնալու համար, երբ մեծ մասը հետ կքայլեր:

Շնորհակալ եմ այն ​​ժամանակների համար, որոնք կարոտել եք ձեր ընտանիքներին ՝ իմը պաշտպանելու համար:

Շնորհակալ եմ ինքներդ ձեզ ներգրավելու համար ՝ իմանալով, որ ձեր պաշտպանության համար պետք է ապավինեք հավատքին և ուրիշների աղոթքներին:

Շնորհակալ եմ, որ այդքան անշահախնդիր եք, և ձեր կյանքը դնում եք ուրիշներին պաշտպանելու վտանգի տակ, չնայած դուք նրանց ընդհանրապես չգիտեիք:

Շնորհակալություն մեր կարծիքը կոշտացնելու և մեզ ներկայացնելու կամավոր լինելու համար:

Շնորհակալ եմ ձեր նվիրվածության և աշխատասիրության համար:

Առանց ձեզ, մենք չէինք ունենա այն ազատությունը, որն այժմ մեզ տրված է:

Աղոթում եմ, որ երբեք չտաս այդ ծալված դրոշը: Դրոշը ծալված է ՝ ներկայացնելու Միացյալ Նահանգների տասներեք գաղութները: Յուրաքանչյուր ծալք կրում է իր իմաստը: Ըստ նկարագրության, որոշ ծալքեր խորհրդանշում են ազատությունը, կյանքը կամ հարգանքի տուրք են մատուցում զինված ուժերում ծառայողների մայրերին, հայրերին և երեխաներին:

Քանի դեռ դու ապրում ես, անընդհատ աղոթիր այն ընտանիքների համար, որոնց հանձնվում է այդ դրոշը, քանի որ ինչ -որ մեկը պարզապես կորցրել է մորը, ամուսնուն, դստերը, որդուն, հորը, կնոջը կամ ընկերոջը: Յուրաքանչյուր մարդ ինչ -որ մեկի համար ինչ -որ բան է նշանակում:

Ամերիկացիների մեծ մասը երբեք չի մասնակցել պատերազմի: Նրանք երբեք չեն կապել իրենց կոշիկները և չեն գնացել մարտերի: Նրանք չպետք է անհանգստանային գոյատևելու մասին մինչև հաջորդ օրը, քանի որ նրանց շուրջը կրակոցներ էին հնչում: Ամերիկացիների մեծ մասը չգիտի, թե ինչպիսին է այդ փորձը:

Այնուամենայնիվ, որոշ ամերիկացիներ անում են այնպես, ինչպես ամեն օր պայքարում են մեր երկրի համար: Մենք պետք է շնորհակալություն հայտնենք և հիշենք այս ամերիկացիներին, քանի որ նրանք պայքարում են մեր երկրի համար, մինչդեռ մեզանից մնացածները ապահով են մնում հայրենիքում և պատերազմի գոտուց հեռու:

Երբեք մի՛ ընդունեք, որ դուք այստեղ եք, քանի որ ինչ -որ մեկը պայքարել է ձեր այստեղ լինելու համար և երբեք մի մոռացեք այն մարդկանց, ովքեր մահացել են, քանի որ նրանք այդ իրավունքը տվել են ձեզ:

Այսպիսով, երբ դուք տոնում եք այս հանգստյան օրերին, խմեք նրանց հետ, ովքեր այսօր մեզ հետ չեն և մի մոռացեք այն ճշմարիտ սահմանման մասին, թե ինչու ենք մենք ամեն տարի նշում Հիշատակի օրը:

«… Եվ եթե խոսքերը չեն կարող մարել այն պարտքը, որ ունենք այս տղամարդկանց, ապա, անշուշտ, մեր գործողություններով մենք պետք է ձգտենք պահել հավատը նրանց հետ և այն տեսիլքի հետ, որը նրանց մղեց մարտի և վերջին զոհաբերության»:


Դիտեք տեսանյութը: О чём говорят мужчины - Анди Уорхол Andy Warhol